Les thématiques du jeu et de l’enfance sont au cœur de la pratique dessinée de Rahma Lhoussig. Dans ses mises en scène ludiques, l’enfant tisse une trame faite de scénarios, d’acteurs, d’images, qui représentent ce qui n’est pas nécessairement là physiquement. Autrement dit, ces jeux figurent autre chose que ce qu’ils sont. À partir de ce constat, l’artiste vise à doter le monde imaginaire d’une force et d’une réalité : il s’agit ici de traduire la psyché humaine en tant qu’expérience sensorielle, soit en termes de notions abstraites rendus palpables à travers des objets, des formes, des figures et des couleurs. Objets inanimés ou bestiaire doué de vie, tous ces éléments génériques - a priori de l’ordre du quotidien -, sont ici pourvus d’un pouvoir apotropaïque et prophylactique, c’est-à-dire d’un effet protecteur et guérisseur. Dans le même temps, des rôles multiples leur sont attribués, qu’ils jouent au gré des scénarios imaginés. Éparpillés comme un jeu de piste ou imbriqués comme un casse-tête à résoudre, ils participent dans leur éclectisme à placer l’œuvre sous le signe du fabuleux et de l’onirique. Les Grecs distinguaient onar, le songe vulgaire, et hypar, la vision prophétique. Les rêves de Rahma Lhoussig seraient, quant à eux, à situer entre ces deux types, puisque les objets de la vie quotidienne et les souvenirs réels s’y mêlent à la dimension prémonitoire de l’émotion, qui détermine une manière d’habiter le monde. Souvent incongrus, les rapprochements opérés par l’artiste contribuent à indiquer la signification de ce que l’esprit situerait du côté de l’anodin. Ce mélange alchimique fait écho à la mixité des mediums (acrylique, huile, fusain, crayons de couleur). Plus encore, les banals souvenirs d’enfance deviennent les seuls points de repères des personnages qui se meuvent dans un espace incertain, correspondant à un lieu non pas physique mais psychologique. C’est là, précisément, que la frontière entre l’intérieur et l’extérieur se fait poreuse : conscient et inconscient, physique et mental, réel et irréel ne cessent de se renvoyer la balle. Plus simplement, le principe est le suivant : les lieux vivent autant en nous que nous vivons en eux. En lien avec une mémoire perçue sur le mode du fragment, le dessin est volontairement non- fini. Les parties que le papier conserve intactes symbolisent ces bouts de souvenirs perdus et qui ne s’appréhendent que de manière lacunaire. En résulte une iconographie de l’inachevé qui grignote les corps mêmes des personnages, soit au bord de la désintégration soit en voie de recomposition. Ces réserves indiquent que ce qui encore présent sur le dessin, de n’est pas sans raison. Les personnages principaux - essentiellement des femmes - sont dans un état d’absorbement : en position de repos, elles ont le regard englouti ou fermé, quand il n’est pas complètement dissimulé derrière un masque fantaisie. Elles sont dans un autre monde que celui qui les entoure et les représente tout à la fois. En pleine agitation, les animaux (corbeaux, aigles, insectes, lapins) contrastent avec l’alanguissement de ces humains, dont ils incarnent néanmoins l’état psychique de manière métaphorique. Tout ce qui se déploie sur le papier comme un récit ouvert retrace la vie intérieure de la principale intéressée. Ce bestiaire et ces accessoires constituent les attributs des figures, dans une démarche proprement iconologique : chaque souvenir ou émotion a ses propres caractéristiques visuelles. En ce sens, ce qui appartient aux domaines de l’intime et du privé est rendu visuellement perceptible et extérieur. Dans leur ensemble, les dessins de Rahma Lhoussig vont ainsi dans le sens d’une allégorisation de l’inconscient, c’est-à-dire qu’ils donnent vie à ce qui relève d’un monde invisible : le rêve, le souvenir, la pensée ou l’émotion.